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04 de junio de 2008 - 00:12

Entrevista a Elio Quiroga

Elio Quiroga nació en Las Palmas de Gran Canaria hace apenas 43 años.Y ya es uno de los grandes. De los grandes canarios que corren por el Mundo. Aunque seguro que a nuestro director, guionista y productor de cine, le horroriza y rechaza este reconocimiento. Representa como nadie a esas nuevas generaciones nuestras que superando los complejos, los corsés insulares, ofrecen su creatividad al Planeta, aportando su identidad local, enriqueciendo su diversidad global.

Elio es un ser humano impregnado de sencillez. Contagia como nadie sus ansias de aprender y de emprender. Sólo una persona así puede hacer afirmaciones como que "internet es la esperanza para que las culturas locales no se pierdan devoradas por ese fantasma que llamamos globalización que nadie sabe lo que es, pero cuyos efectos sólo parecen hacer daño a los más débiles"; o "tenemos más canales de TV que nunca, más medios para alcanzar la cultura que nunca, pero todo está más homogeneizado que nunca"; "si queremos llegar a algún lado en Canarias será básicamente formando a nuestra gente, fomentando el talento, la creatividad, la innovación, pero siempre pensando que tras todos esos términos sólo hay seres humanos, y a la gente hay que cuidarla; el valor de nuestra tierra es nuestra gente,es algo tan aparentemente obvio que parece que lo olvidemos continuamente, si se apoya a nuestra gente, creceremos". Y mucho más.

Quiroga es una de las muchas nuevas luces que están emergiendo en Canarias.

Texto de la entrevista concedida a archipielagonoticias.com

Archipiélago noticias.- Parece que en tu profesión, mediáticamente, todo se mide a golpe de efectos, y tu contratación por una agencia de Hollywood cubre toda la noticia. Pero ¿qué camino andado y sufrido hay detrás? Hablanos de la trayectoria de Elio Quiroga desde "Fotos"; a través del oficio de productor, director o guionista; desde la visión que expresaste en tu ensayo “La materia de los sueños”.

Elio Quiroga.- Desde mi primera película decidí formarme más en mi oficio, conocerlo cada vez mejor, pero para formarse en esta profesión hay que trabajar; el conocimiento práctico es fundamental. Por eso elegí durante estos últimos años escribir mucho material para conocer más y mejor el trabajo del guionista, y me puse a producir, inicialmente cortos para terceros, luego animación basada en la tecnología, trabajé en efectos visuales, etcétera, sobre todo para conocer cómo se vive la creación del cine desde otras áreas del trabajo.

Eso te da una mejor visión, te permite tomar mejores decisiones y hacerlo con más conocimiento. Hace años estuve en una compañía de teatro en Las Palmas, y trabajé con Tony Suárez, uno de los más grandes directores de teatro del país. Esas cosas te permiten entender mejor a los actores, ver mejor sus necesidades y poder hablar mejor su lenguaje. La formación de un director de cine ha de ser necesariamente multidisciplinar. Tiene que entender de arte, de arquitectura, de teatro, de efectos, de sonido... Porque si no puedes hablar el lenguaje de los técnicos que trabajan contigo y hacen la película contigo, estás perdido. Pues precisamente eso ha sido lo que he hecho, intentar conocer aspectos diferentes de la creación cinematográfica intentando formarme mejor. Así, al rodar mi segunda película, en seguida llegaron contactos de Estados Unidos pidiendo entrevistarse conmigo. “La Hora Fría” es una película diminuta, hecha con muy poco capital, nacida en Canarias humildemente. Pero a los americanos les gustó, y a partir de ahí empezamos conversaciones.
Pero llegar a hacer esa segunda película costó mucho esfuerzo, todo un trabajo de reciclaje. Afortunadamente, por el camino he conocido a la gente con la que trabajo ahora, como Margaret Nicoll que es la coproductora de mis películas, o Luis Sánchez-Gijón, que es el montador, Jerome Debeve y Juan A. Ruiz que son los responsables de los efectos visuales, o la gente de Sopa de Sobre, con quienes trabajo en los proyectos de animación... Es estupendo conocer gente que te plantea siempre retos, que te ayuda a crecer como profesional y personalmente, y a hacer mejor las cosas.

Cortos como “El Último Minutero” o “Home Delivery”, que realicé en el ínterin, se mueven por caminos completamente diferentes. En el primer caso trabajé en las instalaciones del Servicio Insular de Cultura con Javier Ponce, gracias a la ayuda de Sergio Morales; era un corto documental sin la menor pretensión, pero conseguimos que nos nominaran al Goya. En “Home Delivery”, gracias a Margaret, conseguimos que Stephen King nos cediera los derechos de uno de sus relatos, y que REM nos diera gratis una canción para la banda sonora. Allí conocí a Alfons Conde, que es para mi uno de los mejores compositores del mundo. Para mi lo importante es que la historia que cuentas funcione y sea interesante, sin importar el género en el que te muevas. En “La Materia de los Sueños” se reflexionaba sobre cómo las cosas han cambiado, gracias a la irrupción de las herramientas tecnológicas, en las vidas de todos. Ahora mismo estoy respondiendo a este cuestionario que me ha llegado por email en cuestión de segundos, algo que hace 50 años sería impensable. La tecnología es algo que nos acerca mucho más a todos y nos facilita la vida.

Archi.- En algún momento has mencionado el mundo de la publicidad, el video experimental, la animación o el melodrama, como puntos de atención en tu obra. ¿Se puede decir que has optado por un mundo de personajes, agitados o dominados por la tecnología, que se desenvuelven en una cotidianeidad un tanto kistch y sin afanes de trascendencia?

Elio.- No puedo hablar de un estilo concreto, a pesar de que por ejemplo “Fotos” sí tenía una forma muy especial e iba por unos determinados derroreros. Cada guión y cada historia es un mundo, y cada uno tiene sus propias necesidades. En mi caso, cuando escribo guiones, mi objetivo es contar una historia y que funcione, que interese. También hay muchas sutilezas, que por ejemplo dependen de si trabajas por encargo o para ti mismo, o si lo haces en equipo. Escribí “Ausentes” para Daniel Calparsoro con Ray Loriga, que es un excelente escritor, o con Andrés Santana trabajamos varios directores-guionistas en una serie de TV hace años, y cada proyecto, casa historia y guión tiene necesidades diferentes.

Hay asimismo muchos niveles de lectura, y en este sentido, la escritura de guiones es muy compleja; hay un nivel de lectura para el productor de la película; ese nivel puede permitir que un productor elija un proyecto u otro, pero un guión de este tipo a lo mejor no es el mejor guión posible (Nacho Vigalondo comentaba que el guión de “Cronocrímenes” lo entendía la gente normal, pero los productores españoles, ajenos completamente al género de ciencia ficción y a los viajes en el tiempo, no entendían nada, por lo que tuvo que reescribir “para los productores” una versión que sólo valía para ellos, un mal guión que ellos sí lograban entender, usando el “correcto” para el resto del trabajo. Es un caso extremo, pero las cosas a veces son así) ; hay otro nivel para el actor que lee el material y está pendiente del estilo de los diálogos, de las razones para comportarse de su personaje de un modo u otro y que puede requerir reescrituras en función del actor y su personalidad; otro nivel diferente es para los técnicos, pero todo eso es el mismo guión, es el mismo objeto y todo ello conjuntado debe llevar al final del camino a una película. Y todo al final pasa por una “reescritura” visual que realiza el director con el resto del equipo. En fin, que es todo muy complejo, y no caben reducciones.

El guión, precisamente por eso, es un objeto en continuo cambio y en perpetuo estado de modificación. Por eso que una película terminada funcione, que su historia atrape al espectador y le interese, y que finalmente atraiga al público es algo que no deja de sorprenderme. Los americanos lo tienen claro: en este oficio nadie sabe nada, una cosa funciona hoy y a lo mejor mañana deja de funcionar, o al revés. No hay un guión igual a otro, no hay una película igual a otra. “Fotos” era una película muy radical, un pastiche entre Buñuel y Almodóvar, y sin embargo “La Hora Fría”, mi segundo largometraje, que sale a la venta en DVD el próximo 11 de junio, es una obra de género, que sigue las constantes que marca el trabajar dentro de un género determinado.
Cuando hicimos “La Hora Fría” no teníamos la menor espectativa, excepto poder concluir una producción canaria de bajo presupuesto y que las cuentas cuadraran poco a poco. Hemos vendido la película a 15 países y hemos estado en las secciones oficiales de 14 festivales de cine. La película es el mayor éxito internacional del cine canario. Así que de alguna forma en la historia que hemos contado en esa película hemos tocado una fibra que entienden por igual en Japón, Reino Unido, Filipinas, Rusia o Sudáfrica, por citar cinco países a los que se ha vendido.

Archi.- La creación cinematográfica, si aún se puede llamar así, en la era de la globalización, que multiplica tecnologías, lenguajes, y facilita la ubicuidad de los creadores, ¿no nos conduce a una babel inevitable, y en sentido contrario, no nos encierra a cada uno en nuestro lenguaje específico? ¿Cuáles son los riesgos y las ventajas?

Elio.- Ese viejo refrán que dice algo así como “sé local para ser universal” es una verdad absoluta. En el mundo en el que vivimos, en el que las fronteras existen, tal vez más altas que nunca, para las gentes, pero donde se ha creado una especie de mundo virtual sin fronteras, que es Internet, una nueva ágora en la que la gente se puede expresar y construir cosas de forma altruista, creo que algo va a cambiar. Por un lado, la comunicación entre las personas es potencialmente más creativa que nunca, y por el otro las fronteras físicas se cierran cada vez más. Creo que Internet es el ejemplo perfecto de que no se pueden poner puertas al campo, y aunque parezca paradójico es la esperanza para que las culturas locales no se pierdan devoradas por ese fantasma que llamamos globalización que nadie sabe lo que es, pero cuyos efectos sólo parecen hacer daño a los más débiles. Por todo ello creo que la tecnología bien empleada, al servicio de las gentes, libera, al contrario de lo que podría suponerse. Esas son para mi las ventajas. Los riesgos están sólo en el uso perverso de esas tecnologías, y en la ambición humana, que nos está llevando por caminos nada aconsejables.
Y un riesgo real de esa Babel que comentas, está en nosotros mismos. En estos momentos, el cine pasa por una crisis en España brutal; en parte a causa de la piratería, del “Top Manta”, del desinterés de la gente, de que muchos distribuidores y exhibidores han tirado la toalla, o de que las televisiones han dejado de comprar producto español, estamos al borde del precipicio. Y eso es un problema de los españoles, de politizarlo todo, de convertir al que no está de acuerdo contigo en un enemigo, de la inexistencia de lo que Adela Cortina llama “la amistad cívica” en nuestro país. De repente varios grupos mediáticos deciden que el cine español es un grupo de “titiriteros” y que hay que dejar de verlo. Y la gente les obedece, y todo se enrarece por razones absolutamente espúreas. El resultado, sumado a la desmedida ambición de algunos, a la fusión en grandes corporaciones, a la mercantilización de la cultura, es un empobrecimiento general de la población. Muchas películas españolas de este año no llegarán ni a las salas de cine, no encontrarán su público, y eso es una tragedia, ya que eso sí que frena la riqueza cultural de una tierra. Tenemos más canales de TV que nunca, más medios para alcanzar la cultura que nunca, pero todo está más homogeneizado que nunca.

Archi.- Hablemos de Canarias y de tu énfasis en el factor humano y en el capital humano ¿Cómo ves el presente y el futuro de nuestros creadores del mundo cinematográfico y en general audiovisual?

Elio.- Vivimos unos tiempos realmente extraños, en los que la mercancía se ha convertido en el objetivo vital del empresario, del creador cultural, de la transmisión televisiva, en los que parece que se han olvidado las verdades más simples. Ahora las empresas se compran y se venden al mejor postor. Recuerdo que hace un par de años unas empresas de efectos visuales españolas fueron adquiridas por una gran corporación que entraba en bolsa. Echaron a la mayor parte de la plantilla y confiaban en que aquellas empresas fueran la joya de la corona en una especie de plan de I+D que tenían. Pero las empresas sin personas no son nada. Al despojar aquellas empresas de sus técnicos especializados sólo quedaron un puñado de ordenadores con softwares de diverso tipo que básicamente, sin talento humano detrás, no valen nada. Son sólo trastos, chatarra. Aquella multinacional al comprar aquellas dos empresas despojándolas de su personal no había comprendido que sólo había comprado chatarra; sin personas, sin talento, los trastos, la tecnología, no son más que herramientas huecas. Pero el mundo actualmente se basa en el uso de la tecnología y por tanto en la formación de las personas, en la educación. De ahí que si queremos llegar a algún lado en Canarias sea básicamente formando a nuestra gente, fomentando el talento, la creatividad, la innovación, pero siempre pensando que tras todos esos términos sólo hay seres humanos, y a la gente hay que cuidarla. El valor de nuestra tierra es nuestra gente. Es algo tan aparentemente obvio que parece que lo olvidemos continuamente. Si se apoya a nuestra gente, creceremos.

Por eso precisamente el empresariado canario creo que tiene una oportunidad de gran interés tanto en el audiovisual como en la creación y diseño de tecnologías innovadoras. Se ha hablado durante años del monocultivo del turismo y sus catastróficas consecuencias. Pues bien, la temida crisis está llegando, y el empresario en estos momentos necesita variabilidad en su inversión. Y poner algo en innovación, en cine, en televisón o videojuegos puede ser la respuesta. En Canarias tenemos una enorme cantera de talento. Tenemos que permitir que florezca ese talento, y que crezca. Para eso hace falta capital y voluntad política. Con ambas cosas, Canarias puede convertirse en una potencia creativa e innovadora, sin la menor duda.

Archi.- ¿Vas a ser libre en tu nueva vinculación a Hollywood, vas a ser tú, van a respetar tu trayectoria, o esto supone además que inicies cambios en tu lenguaje y prioridades?

Elio.- Como director mi objetivo es aprender, y en este oficio del cine sólo se aprende haciendo, como comentaba anteriormente. Vivimos unos tiempos realmente extraños, en los que un director de cine se puede dar con un canto en los dientes si puede hacer una película cada dos o tres años: En España muy pocos pueden permitirse ese lujo (Almodóvar, Amenábar, Medem y pocos más). En cambio, los grandes maestros del cine, las personas que sentaron el lenguaje cinematográfico, o que han creado historias inmortales, gente como John Ford o Alfred Hitchcock, por poner dos ejemplos ilustres, rodaban y rodaban sin parar. Hacían cine, y perfeccionaban su oficio, como digo, haciendo cine; la única manera de perfeccionarte es esa. Cuando John Ford empezó a trabajar en el cine sonoro ya había rodado más de 80 películas mudas, entre cortos, medios y largometrajes.
En ese aspecto, resulta lamentable que los directores jóvenes tanto en España como en las islas no puedan bregarse, no puedan adquirir oficio ni perfeccionar su técnica, ni equivocarse, cuando equivocarse es también algo clave para el perfeccionamiento de cualquier arte o técnica. En ese sentido mi único objetivo es poder seguir haciendo cine, y poder seguir, por tanto, aprendiendo. Del trabajo duro, de la incomodidad, de pisar terrenos poco transitados, es de donde surge el aprendizaje.

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